Si no tenemos en cuenta el cd de versiones ('Project 1950') que publicaron hace 3 temporadas, los Misfits llevan 7 años sin editar nuevo material. Y eso es demasiado tiempo. Cuando entre 1995 y 1997 vieron la luz los imponentes 'American Psycho' y 'Famous Monsters', pensé que esa tónica tendría continuidad y que cada dos o tres años nuestras bocazas se verían ocupadas con nuevos himnos que corear. Pero no. Los contínuos cambios de formación, y tal vez la incapacidad de Jerry Only para componer sin la ayuda de sus antiguos socios, se han traducido en una absoluta sequía de material. Ante esta situación, con unos Misfits en horas bajas, y aprovechando que el nicho ha quedado vacío, una banda de tributo alemana se ha liado la manta a la cabeza dispuesta a perpetuar el legado de sus ídolos. Para ello, han compuesto una quincena de temas al más puro estilo horror-punk, y los han reunido en un disco más que digno: 'Leaving The Tomb' (2004).
Y bien, si Misfits se inspiraron en su momento en todo lo que rodea la serie B cinematográfica, The Crimson Ghosts optan por beber directamente de los artífices de clásicos como 'Green Hell', 'We Are 138' o 'Hybrid Moments'. Y lo hacen poniendo las cartas sobre la mesa. El nombre con el que se han bautizado, The Crimson Ghosts, hace alusión, además de a uno de los temas incluidos en el disco 'American Psycho', al serial rodado en 1946 en el que aparecía el enmascarado que inspiró el Fiend Skull, la calavera que sirve de logotipo de la banda.
Su look mortecino es otro punto en común, con abundancia de ojeras y cutis marcados por la Muerte. En cuanto a la música, la fórmula de siempre: los característicos coros, los bruscos cambios de tempo, la influencia de la serie B en los textos y los acordes con sabor a 50's. Todo está aquí.
'Leaving The Tomb', la introducción instrumental cargadita de FX de ultratumba y guitarras furiosas, nos da la bienvenida, dando por sentado que la resurrección es algo que no sienta nada bien. Acto seguido, dos inyecciones letales, 'Reborn Of Trioxine' y 'When They Howl', disparan adrenalina en nuestro corriente sanguíneo y nos hacen vociferar frases extraídas del guión de una película mala de Peter Cushing. La rabia zombi cede un par de milímetros a la melodía en 'Sons Of The Zodiac', un tema que demuestra que en este subgénero hay que tener un mínimo de capacidad pulmonar a la hora de cantar. Si no lo crees, intenta repetir -en voz alta- el estribillo sin perder la voz a mitad del verso. El ritmo no decae en los dos siguientes cortes, momento en el que nos topamos con uno de los mejores temas del disco, 'Death From Above', una composición que si llevase la firma de Only, Danzig y compañía se elevaría a la categoría de clásico de su discografía. Otra de las joyas la encontramos más adelante, 'Necrobabe', con intro acústica, una sección de cuerda en su parte central, y la mejor interpretación vocal del álbum. Soberbio. ¿El resto? No desmerece, lo prometo. Basta con echarse al oído 'Regan (Is Possessed)' o 'Hunted' para que agites tu mechón al viento y apuntes al techo con la mano cornuda.
Ciñéndonos a la actualidad, en estos momentos el cuarteto anda liado en la composición de los temas que formarán parte de su segundo lanzamiento, 'Carpe Mortem', que, si nada se tuerce, verá la luz el próximo mayo. Los títulos de los temas que ya tienen acabados dejan las cosas claras de por donde seguirán los tiros: 'Patchwork Fuckface', 'Somewhere In A Casket', 'The House', 'Back For No Good', 'Ol´Devil Lee', 'The End Of Days', 'Night Of The Dead Prom Queen' y 'Reptile'. Qué duda cabe que es la banda sonora ideal mientras se hojea cualquier ejemplar del 2000 Maníacos.
LINE UP:
Vlad: Voz / Reverend: Batería / Monstrosity: Bajo / Jackal: Guitarra
TRACKLISTING:
Leaving The Tomb / Reborn Of Trioxine / When They Howl / Sons Of The Zodiac / Regan (Is Possessed) / The King Of Skull Island / Death From Above / Until You Awake / The Dead Rise / Pre-Mortem Ecstasy / Necrobabe / Army Of The Cenobites / At Night / Hunted / Tale Of A Hounted Wood
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Admito que este 'Rocket Ride' ha sido mi primera toma de contacto consciente con los alemanes. En alguna ocasión había oído -que no escuchado- alguno de sus anteriores temas, y la verdad es que, siendo como soy bastante reacio al power metal de corte épico, me parecieron más bien poquita cosa. No los metía en el mismo saco de bandas tan cochambrosas como Gamma Ray, Rhapsody, Hammerfall y 50.000 más, pero no veía destellos de personalidad por ningún lado. Aunque, después de empaparme su nueva entrega, qué queréis que os diga, mi opinión no se ha visto alterada sustancialmente. Se pueden escuchar, sí, al igual que se puede escuchar a Los Caños sabiendo que no te vas morir por ello, pero, buff... sin tener nada que ver con toda esa chusma que he citado, yo prefiero mantenerme al margen de su propuesta. Y con esto no digo que el disco sea malo. Afortunadamente han desterrado la tontería power de su sonido (adiós al jodido doble bombo) y han echado mano de raíces más clásicas, orientándose hacia un heavy rock bastante melódico. La machacona rapidez de antaño ha quedado aparcada -al menos de forma temporal-, introduciendo abundantes medios tiempos y algún que otro tema más acelerado, dando lugar a un disco bastante diversificado. Un repaso al tracklist confirma mis palabras: el primer corte, 'Sacrifice', son 8 minutos que rayan con el progresivo (la melodía de piano me recuerda más de la cuenta al tema de Dream Theater, 'Space-Dye Vest'), 'Rocket Ride' y 'Wasted Time' son auténtico old school -con reminiscencias vocales a Geoff Tate y Bruce Dickinson-, 'Return To The Tribe' los devuelve excepcionalmente a sus orígenes (con un alocado y delirante solo vocal), y excentricidades como 'Trinidad' aportan el toque más desenfadado de un trabajo divertido sin más. Repito: sin más.
Tras el alto indefinido anunciado a su regreso de EEUU a principios de 2004, Hardcore Superstar volvieron a poner en marcha la maquinaria en verano del año pasado. La edición del single 'Wild Boys' se tradujo en un bombazo en su Suecia natal, y meses más tarde, en noviembre, la publicación de su nuevo álbum ha repetido la buena acogida que tuvo su carta de presentación, cosechando valoraciones muy positivas en varias publicaciones autóctonas. Incluso han sido nominados al equivalente sueco del Grammy en la categoría de Mejor Banda de Hard Rock (el resto de nominados son Opeth, Candlemass, Hammerfall y Meshuggah).
No es uno de los discos del 2005, pero su escucha asegura un rato de lo más divertido. Siempre y cuando no pertenezcas a esa nueva estirpe de rockeros que sólo invierten su tiempo y su dinero en obras con ínfulas de permanecer atemporales por los siglos de los siglos. Si es así lo llevas mal, porque HCSS ni van a revolucionar la escena ni van a marcar un punto de inflexión en tu vida. Su música es tan intrascendente como perecedera, tan simple como el Rock'n'Roll, pero -como reza la inmortal coletilla que lo justifica todo- a mí me gusta. Y punto en boca.
Centrándome en el disco debo decir que tras su escucha mis expectativas se han visto holgadamente superadas. Qué poder, tíos, cuánta calidad desprende cada uno de sus surcos (bueno, bits, en este caso). Fuerza, emoción e inspiración, tres ingredientes que rara vez se alinean de forma tan magistral como aquí y que da como resultado una docena de temas redondos. Empezando por el corte que sirve de apertura, el homónimo 'Burning Tree', hasta la reposada 'Turtle', el título que lo cierra, todas las canciones se traducen en momentos llenos de magia.
¿Tendremos pronto a Crank County Daredevils por nuestro territorio? No tengo ni la más remota idea, pero, de lo que sí podemos estar seguros es que su disco de debut, 'Kings Of Sleaze', está por encima de los últimos trabajos de muchas bandas veteranas. Sin ser una maravilla, al menos las premisas básicas del Rock'n'Roll están presentes: energía, electricidad y suciedad, mucha suciedad; tanta que se podrían llenar varios containers. Se les ha comparado con Mötley Crüe, y bueno, aunque yo no me atrevería a situarlos ni a un nivel cercano, el arranque del primer corte nos trae a la memoria el clásico 'Looks That Kill' de Neil, Sixx y compañía. Los 8 temas restantes siguen una línea parecida, con la cazallosa voz de Scotty P siempre en primer término y, un paso más atrás, los afilados riffs de un par de guitarras. En los intensos 34 minutos de 'Kings Of Sleaze' no hay lugar para baladas ni medios tiempos, aquí sólo caben la fanfarronería, la diversión y el visssio.
Después, Velvet cuenta que cuando están de gira pasan el día con 5 dólares, que grabaron el disco gracias a la limosna de sus amigos, y que no pueden permitirse grandes lujos. No sé yo... porque luego afirma que se ha construido un estudio de grabación en ¡una casa que data de 1929! No sé, no sé... Dudo mucho que su posición económica roce el umbral de la pobreza. Todos esos tatuajes cuestan dinero, ¿o es que también se los hizo un amigo? Fuck yeah, a mí todo esto me suena a fantasmada, amiguito.
Su primer álbum oficial, 'Born A Lion', tampoco se queda atrás. De principio a fin un himno tras otro. Me resulta imposible hacer un cálculo aproximado de las veces que he escuchado este disco. ¿200? ¿300? Y el número aumenta cada mes. Con un planteamiento más hard-rockero que su carta de presentación, el 'disco naranja' (así lo llamo yo) es un cofre del tesoro que guarda diamantes de muchos quilates: 'Papa', 'Soul On Ice', 'Suicide Woman'... Si eres propenso a caer en las adicciones será mejor que no te acerques a este disco. Esto es rock intravenoso.
¡Y qué decir de sus directos! Simplemente, imbatibles. Le pueden mirar de igual a igual a cualquier coloso que se os pase por la cabeza. A cualquiera. El carisma que derrocha el Sr. Jones en escena convence al más escéptico, os lo aseguro. Un showman en toda regla que lo mismo te arranca una carcajada (tremendas sus muecas), te pone cachonda (hablo por las niñas, quienes, ante la visión de su mega-lengua, incluso llegan a incomodarse) o te emociona (su interpretación del tema 'The Mountain' es sencillamente estremecedora). Les he visto en un par de ocasiones y las dos veces ofrecieron conciertos magníficos. Cuento los días para volver a tenerlos delante.
Las últimas noticias de la banda son algo confusas. En primer lugar, durante este mes de enero y parte de febrero abrirán para ¡Nickelback! en una docena de conciertos por su Canadá natal. No tengo nada en contra de la banda de los hermanos Kroeger, pero creo que es una combinación un tanto chocante; una banda totalmente underground -pero con muchísimo potencial para sonar fuerte en las emisoras comerciales- y unos auténticos revienta-charts. Un doble cartel que me recuerda el tour que realizaron Red Hot Chili Peppers con Toilet Boys. En cualquier caso, una buena oportunidad para ganar nuevos fans; más que nada porque los aforos rondarán los 5000-13000 asientos. En otro orden, la elección del single de presentación parece que no está del todo clara. Por una parte, el propio Danko Jones, según declaraciones de algunos fans que han hablado con él personalmente, ha asegurado que la banda ha grabado un videoclip para el tema 'Baby Hates Me'; mientras que VH1 ha hecho público un comunicado en el que informan que el primer single en ver la luz en Estados Unidos seré 'First Date'. De momento, ni una ni otra opción se han confirmado. Lo único realmente cierto es que algunas emisoras han radiado 'Sticky Situation' como tema de avance. Da igual, sea cual sea el single de presentación, lo que de verdad importa es que ya tenemos nuevo material de Kojones, Dan Kojones.
Tal como hicieran Exodus, Heathen o Death Angel hace un par de temporadas, otra banda de la San Francisco Bay Area se reunifica para satisfacción de fans del thrash metal de la vieja guardia. En mayo pasado la alineación original de Lääz Rockit ofreció un par de conciertos junto a Testament en Holanda, a los que siguió en julio una aparición especial en el concierto benéfico celebrado en San Frisco 'Thrash Against Cancer'. Tras 14 años de silencio, el regreso parece que va en serio. El primer paso: la edición de un dvd que recoge momentos de esos shows y de su posterior tour japonés junto a Testament. De momento han reactivado su website (
Aunque todavía es pronto para anunciarlo como definitivo, la continuación de 'Leviathan' es muy posible que lleve por título 'Blood Mountain'. El disco, que se espera que salga a la venta el próximo verano a través de Warner Bros., será, en palabras de su batería Brann Dailor, un paso adelante en su sonido, ahondando aún más si cabe en las influencias progresivas y thrashers. Por lo visto, el hecho de haber estado escuchando los últimos trabajos de King Crimson, y el haber girado durante 3 meses con Slayer, tienen parte de culpa.Los ensayos comenzaron a mediados de octubre, y aunque es arriesgado presagiar por donde irán exactamente los tiros, tienen intención de que los 10 temas que han reunido hasta el momento configuren una especie de sinfonía, representando cada corte un movimiento.
Ya queda menos para que descubramos quien asesinó a la Hermana Mary en la primera parte de la saga 'Operation:Mindcrime'. 17 años después, el 13 de marzo para ser exactos, la secuela del disco que convirtió a los de Seattle, por tiempo muy limitado, en una banda de culto, verá la luz. Este mismo mes se hizo pública la portada de 'O:M II'; la última noticia tiene como protagonista a la Voz del Metal (ni Halford ni leches), Ronnie James Dio, quien, para la ocasión, interpreta al malvado Doctor X.
Y para quien se vea capaz de dilucidar la trama de esta nueva obra conceptual a partir de los títulos de las canciones, aquí tenéis el tracklist:
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Este no es el caso de 'Their Rock Is Not Our Rock', que, sin ser un disco discreto, dudo que alcance el estatus de los arriba mencionados. La sorpresa, en esta ocasión, ha venido merced a las dichosas etiquetas, colgadas muchas veces de forma arbitraria cuando los referentes quedan un poco diluidos en el conjunto. Es lo que sucede con Fireball Ministry, tildados de stoners por unos, de biker metaleros por otros, pero que en realidad guardan más parecido con las bandas clásicas que con los sonidos arenosos de Kyuss y allegados. Dicho esto, y despejado el factor sorpresa, añadir que lo suyo es heavy rock del de toda la vida, con apuntes a The Obsessed, St. Vitus y Motörhead, y una voz, la del 'Reverendo' James Rota II, quien rinde tributo en todos los cortes a Gene Simmons y a Ozzy Osbourne.
Fireball Ministry, o tal como se autoproclaman ellos mismos, 'los fundadores de la Primera Iglesia del Rock'n'Roll', han vuelto a contar con la producción de Nick Raskulinecz (quien cuenta en su haber con trabajos para Foo Fighters y Velvet Revolver entre otros) para facturar un disco atemporal, 'ideal para los Auténticos Creyentes del Rock' (siguen siendo palabras suyas, que conste). Tras escuchar repetidamente los 10 temas de este 'Their Rock Is Not Our Rock' (cojonudo título, sin duda, a la altura de la portada) sólo me resta alabar la enorme labor llevada a cabo en el terreno de las melodías, muy oscuras todas ellas, por cierto, y que consiguen dotar de entidad propia cada una de las composiciones. La única pega es que casi todas comparten un tempo muy similar, lo que provoca cierta sensación de linealidad a lo largo de la escucha. Pero ello no es óbice para mover el pie al son de 'It Flies Again' (gran riff a lo Monster Magnet), el single 'Sundown' (un cruce entre Mötley Crüe y Black Sabbath), las excelentes melodías de 'Hellspeak', la memorable 'Spill The Demons', y la más bruta del repertorio, 'Save The Saved'. En definitiva, un disco que gustará más a los fans del 'No More Tears' de Ozzy que a los del 'Sky Valley' de Kyuss.
Como dato anecdótico comentar que el cuarteto afincado en Los Angeles tuvo en sus filas a Janis Tanaka, la japonesita que militó durante una temporada en L7 y de quien guardo un par de entrañables fotografías a su paso por Barcelona. Tanaka ya no está en la banda (abandonó el Rock'n'Roll para enrolarse en el circo de Pink), por lo que un tal Johny Chow, ex-Systematic, ocupa ahora su lugar, lo cual rompe el equilibrio sexual que existía en el seno de la banda (su segundo guitarrista es una mujer, Emily J. Burton); es decir, eran como Abba pero en rockero.
Pero antes permitidme divagar un poco. Siempre que en una conversación sale a colación la cuestión '¿cual es tu disco favorito de Queen?' -situación muy puntual, claro está; no vayáis a pensar que mi vida gira en torno a los británicos-, me encuentro en un serio aprieto, porque son tantos y tan buenos... Por cuestiones emocionales suelo responder que 'Jazz'; más que nada porque éste fue el primer disco de la banda que escuché de principio a fin, aunque, sentimentalismos a un lado, hay que reconocer que sigue siendo un pedazo de disco se mire por donde se mire. Sólo hay que acercar la oreja a temas del calibre de 'Bicycle Race', 'Don't Stop Me Now', 'Fat Bottomed Girls' o el injustamente olvidado 'Mustapha' para darse cuenta de ello. Otro de los grandes es 'A Day At The Races', continuación inmediata de 'A.N.A.T.O.', con el que comparte puntos en común tan evidentes como el diseño de la portada o la alusión al universo cinematográfico de los Hermanos Marx, y con el que, a nivel de composición, guarda más similitudes que diferencias respecto a cualquier otro disco de la formación. Grandilocuencia elevada a la máxima potencia, saltos temporales a los alegres años 20, hard-rock épico, poderosas baladas... todos los ingredientes de su anterior disco están de nuevo aquí presentes para formar un díptico indisoluble e incontestable. Un poco alejados de este Top 3 tan personal situaría 'The Game', 'Sheer Heart Attack' y 'A Kind Of Magic', excelentes obras que, sin embargo, siempre estarán a la sombra de su trilogía clave; porque, sí, cada uno de ellos contiene, como mínimo, un par de clásicos de su discografía, pero a nivel de conjunto no se aproximan a la magnitud de lo que para mí es su trilogía definitiva. Queen siempre facturaron buenos singles, pero fue con 'A Night At The Opera', 'A Day At The Races' y 'Jazz' con los que alcanzaron su punto álgido en la composición de himnos inmortales. Aunque no es menos cierto que en todos sus lanzamientos siempre supieron extraer algún que otro diamante en bruto. A la cabeza me vienen recuerdos de infancia, con el Citröen 2CV de mi padre como escenario principal, donde, al ritmo funky de 'Another One Bites The Dust', entré en contacto con la música de Mercury, May y compañía por primera vez en mi vida. Qué grandes. Y qué cantidad de matices acompañan estos pensamientos...
Dicho esto, regreso al objeto de este post. Si ya de por sí 'A Night At The Opera' me parece una auténtica obra maestra, mi valoración gana un par de enteros con esta edición, que además de contar con una nueva mezcla en sonido envolvente 5.1, tiene como principal reclamo un dvd con clips para todos y cada uno de los 12 temas. Pero lo primero que salta a la vista es el envoltorio: un estuche en formato digipack con el célebre logotipo impreso en relieve y una funda protectora transparente que le da un toque de lo más vistoso. ¡Si es que el blanco resulta tan brillante que hace daño a la vista! Una vez desplegado, una de las cuatro secciones contiene un libreto diseñado para la ocasión; nada menos que 20 páginas con las letras de las canciones y un puñado de fotos inéditas. Pero lo mejor viene cuando introduces el disco B en el lector del reproductor dvd. Un elegante menú da paso a la selección de opciones, que hacen posible disfrutar del visionado escuchando el disco de forma íntegra y leyendo los textos como si de un karaoke se tratase, o leer los jugosos comentarios de Brian, Roger, Freddy y John relatando las vicisitudes que rodearon la grabación de su cuarta obra. Y para los que dominan la lengua de Shakespeare a la perfección también existe la opción de escuchar sus voces originales, más de 40 minutos de cháchara en la que se repasan anécdotas y curiosidades varias. En el apartado visual, a los clips originales de 'Bohemian Rhapsody' y 'You're My Best Friend' hay que sumar los realizados de forma expresa para el resto de temas, confeccionados a base de fragmentos de video en directo e imágenes fijas de carácter promocional. Tal como el propio Brian May asegura, 'simplemente es la edición mejor producida... y dudo que pueda mejorarse'.
Y para redondear el conjunto, la revista This Is Rock, en la que ya es su 18ª entrega, ofrece un amplio dossier centrado en esta edición que conmemora el 30º aniversario de 'A Night At The Opera', poniendo especial énfasis en el tema estrella del disco, 'Bohemian Rhapsody'. En las 12 planchas que le han dedicado hay espacio, junto a unas cuantas fotografías a página completa, para varios artículos que repasan su repercusión inicial, su posterior influencia, su correspondiente gira, detalles de la grabación, curiosidades, anécdotas, y muchos datos de interés que me eran completamente desconocidos. Lástima que entre todo este caudal de información se haya colado un artículo, polémico donde los haya, en el que, como si de la revista de música clásica Amadeus se tratara, se realiza un análisis pormenorizado de la estructura musical del clásico por excelencia 'Bo Rhap'. Una auténtica paliza de texto que, por increible que parezca, recibe aplausos en el foro de la cabecera 
De forma paralela, los cómics, concretamente los protagonizados por Spider-man, también han ocupado mis horas de ocio. En estos momentos tres son las series arácnidas que estoy coleccionando: 'John Romita Classic Spiderman', 'Peter Parker Spiderman' y 'Spiderman' a secas. A esta última me incorporé tarde, por lo que mi ritmo de lectura no sigue el orden de publicación; así, mientras este mes saldrá a la venta el nº 45, yo no he leído más allá del 34. Eso sin tener en cuenta que tengo un vacío de 3 ejemplares (los números 27, 29 y 31) que me ha obligado a dejar colgadas un par de sagas. A ver si en mi próxima visita a Madrid los consigo, porque en las librerías de Barcelona está la cosa complicada.
Pero bueno, no vayáis a creer que me he sometido a un régimen musical. Mi dieta rockera se ha visto enriquecida con unos cuantos platos nuevos; unos han sido degustados hasta la saciedad, otros, en cambio, no han sido saboreados como merecen. De estos últimos ya daré buena cuenta la próxima semana, pero de los primeros ofreceré un breve comentario entre hoy y el domingo. Y recalco lo de 'breve', porque si hay algo que me aburre sobremanera es redactar reseñas de discos. Me recuerda aquellos comentarios de texto de obligado cumplimiento en mis tiempos de bachiller, en los que te veías forzado a realizar malabarismos analíticos y a aparcar cualquier atisbo de implicación emocional con la obra. En mi opinión hay ciertas cosas que no merecen ser tan escrupulosamente examinadas, y una de tantas es la música, que se siente o no se siente, así de sencillo. En mis meses como colaborador de cierta revista lo peor siempre venía dado por las dichosas reseñas. Unos datos biográficos por aquí, un repaso somero a su discografía por allá, un despiece del tracklist, comentarios personales,... Una fórmula aburridísima que, sin embargo, y dado su carácter de guía, no puede faltar en ninguna publicación musical.
La banda recaló en nuestro país hace unas semanas para presentar su debut, 'Nothing To Lose', y para ello escogieron una ciudad tan poco habitual para estos menesteres como es Las Palmas de Gran Canaria, donde descargaron durante dos noches consecutivas. Lástima que no se tuviesen en cuenta otras capitales, porque el paso de Kotzen por el escenario de la Sala Mephisto en Barcelona hace más o menos un año se recuerda con cariño (hablo por boca de terceros, dado que no acudí al evento).
Centrándome en 'Nothing To Lose', me parece un disco de hard-rock realmente sólido, muy elegante y perfectamente ejecutado, pero que, hoy por hoy, no es la clase de música que va conmigo. Me explico: los 12 cortes que lo componen se reparten, como es habitual, en temas duros, medios tiempos y baladas; y es en los temas supuestamente duros y directos donde la cosa, a mi gusto, hace aguas. Según he estado leyendo en la Red hay quien les saca parecido con Black Label Society, tanto por la voz de Kotzen (a mí, en cambio, me viene a la cabeza un híbrido entre Chris Cornell y David Coverdale) como por la rudeza del sonido; y es ahí, precisamente, donde discrepo enérgicamente. A excepción del tema 'Oh My God (I Fucked Up Again)' -un diamante en estado puro, sin duda-, el resto de temas más rockeros se quedan a medio gas. Así, como ejemplos, 'I Still' me devuelve a unos Mr. Big un poco más endurecidos, o 'Complicated', que encajaría en los primeros discos de Harem Scarem. En cambio, los temas más reposados casan mejor con mis preferencias; aunque sólo sea porque a mi entender sí reflejan el sonido que la canción requiere. En cualquier caso, perlas delicadas como 'Standing In The Rain', 'Wanted' y 'Nothing To Lose' merecen ser disfrutadas por lo menos una vez antes de abandonar este mundo.
Gracias a la atención que se les está dedicando en el foro de 
La banda comenzó como un proyecto en solitario de su líder, Magnus Pelander, quien, tras la ruptura en 2000 de su anterior banda, Norrsken (de quienes, al parecer, se va a editar un disco próximamente), decide poner en marcha una nueva formación con el propósito de seguir ahondando en el hard rock setentero; esta vez, eso sí, añadiendo unas gotas de doom. Junto a un par de músicos anónimos graba un single que, una vez editado, le lleva a hacerse con una auténtica banda que le cubra las espaldas. Tras media docena de cambios de alineación logran la estabilidad con la formación actual, recurriendo a viejos amigos y conocidos -a excepción de Jonas Arnesén, el batería, cuya militancia durante 10 años en una cover banda de Black Sabbath supuso el factor determinante para su reclutamiento-. Lee Dorrian de Cathedral, a través de su sello Rise Above Records, se hace con sus servicios, y graban su disco de debut, 'Witchcraft', con Jens Henriksson a los controles. Tras una gira europea compartida con Grand Magus y Orange Goblin, al siguiente año repiten la experiencia con el mismo equipo de producción, dando luz a este 'Firewood'. La repercusión no tarda en llegar. A los pocos meses abren para Corrosion Of Conformity a su paso por Inglaterra, y ya se ha hecho público que acompañarán a Monster Magnet en la gira de presentación de su nuevo disco que se llevará a cabo la próxima primavera. Habrá que ver cómo lo hacen en directo.
Pero no me desviaré más. Una banda que está dando mucho que hablar en estos momentos son estos canadienses, Crystal Pistol, de quienes también se dice alguna que otra tontería (¿la voz de su cantante se parece a la de Alice Cooper? ¿a la de Bon Scott? Patrañas, señores). Sin ir más lejos, este mismo mes dos publicaciones nacionales les entrevistan, y tras empaparme de su debut homónimo no puedo estar más de acuerdo con el interés que han despertado. Sus principales bazas: temas con gancho -variados dentro de lo permisible-, y, por lo que se cuenta, un directo de lo más intenso. De lo primero ya se pueden dar referencias (y muy buenas) por aquí; en cuanto a lo segundo, veremos cuánto tardan en asolar nuestros escenarios. No sé qué tipo de dieta siguen en Canadá pero en los últimos tiempos han surgido de allí una serie de bandas que nos han brindado grandes discos y grandes conciertos: The Black Halos, C.J. Sleez, Danko Jones, Robin Black and the Intergalactic Rock Stars, ... A falta de un Mesías, al menos que haya unos cuantos Apóstoles, ¿no?
El disco lo produce todo un Mike Fraser, y como es habitual en él (suyas son las producciones de algunos discos de AC/DC, The Cult o Aerosmith) el resultado es impecable. Ignoro en qué porcentaje se ha repartido la responsabilidad para que el disco haya salido tan bien, pero quienes se llevarán la gloria (o los palos) son quienes dan la cara desde la portada, así que centrémonos un poco en ellos. Formados en Vancouver a principios de 2002, sus gustos se dejan notar al poco tiempo, concretamente cuando en julio del año siguiente telonean a Marilyn Manson, una influencia que ha dejado un poso más que evidente en la forma de cantar de Mik Ireland, su frontman, quien en algunos pasajes se convierte en un sosías perfecto del Reverendo. Por fortuna, nada tienen que ver Crystal Pistol; en su música predomina la suciedad sleazy y el punk-rock más anfetamínico, lo que les convierte en una mezcla entre los primeros Backyard Babies, The Black Halos, Murderdolls y Faster Pussycat. Lo tienen todo para agradar: buenas melodías, guitarras furiosas, estribillos pegadizos, incluso buena imagen. Veremos qué pasa con ellos. Mientras tanto, seguiré disfrutando con temas tan potentes como 'Live Fast, Die Young' y 'No Fun City', melodías infecciosas como las de 'Shake' y 'Teenage Parasite', o el que es, desde ya, uno de los singles del año, 'Rockstar'. Y no te creas eso de 'Everybody hates you when you love Rock'n'Roll'. A mí, nena, me gustas.
Historias de adolescentes a un lado, para quienes vivimos séptimo de EGB con una banda sonora que incluía 'Stay Hungry', 'You Can't Stop Rock'n'Roll' o cualquiera de los discos de Dee Snider y compañía, el anuncio de su reunión y su posterior visita a España en el Festival Serie Z fueron eventos a celebrar. En su etapa de esplendor no hubo oportunidad de tenerlos por aquí, y en menos de un año pisaban dos veces nuestro suelo. Un sueño hecho realidad que, al menos en el concierto de Jerez (el de Barcelona me lo perdí), cubrió todas las expectativas y nos dejó momentos memorables. Ahora, un par de años después de todo aquéllo, y una vez editada su decepcionante revisión 'Still Hungry', tenemos ocasión de rememorar sus shows hispanos gracias a la edición de este 'Live At Wacken - The Reunion'.
Es una lástima que bandas de este calibre tengan vetado un regreso como el que mercen: por la puerta grande; pero bueno, los tiempos cambian y los gustos del público también. Quienes no vivieron el momento de gloria de TS es posible que no conecten con ellos, pero aún a día de hoy, y gracias a la banda sonora de la descacharrante 'Bob Esponja. La Película' (donde se incluye una versión infantil, pero la mar de rockera, del clásico 'I Wanna Rock'), cualquier infante imberbe sigue siendo apto para dejarse seducir por los Sick Mother Fuckers.
Pero, ¿adonde nos lleva todo esto? Pues de forma directa a nada que tenga que ver con el rock'n'roll (en toda la saga sólo hay un personaje con un estilo de vida outsider, Nathaniel Fisher Sr.; y solamente recuerdo un episodio con una banda sonora eminentemente rockera -el dedicado al Santa Claus motero-, con temas de The Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, Steppenwolf, Blue Oÿster Cult y The Outlaws), pero rizando el rizo encuentro cierta conexión -muy de pasada, eso sí- con 'Hellbent', un film de terror centrado en un grupo de mozalbetes gays. David Fisher, uno de los pilares de 'Six Feet Under' es también homosexual, por lo que, cuando descubrí la susodicha horror-movie, no pude evitar pensar en él como posible protagonista. Elucubraciones al margen, la razón de detenerme en esta película es que en su banda sonora hallamos tres temas de la Gran Dama del punk angelino, Texas Terri. ¿Cómo? ¿Que no la conoces? Revisa cualquier número de Popular 1 de hace 4 o 5 años y te toparás con ella con casi total seguridad.
En estos últimos diez días he amenizado en varias ocasiones el trayecto que separa mi casa del trabajo con el disco 'Your Lips... My Ass!' de esta fémina, lo que ha despertado mi curiosidad por ver qué se trae entre manos de cara al futuro. Una vez en su web podemos ver que más bien poca cosa. La sección de noticias lleva años sin actualizarse, y si no fuera por el cartel de 'Hellbent' que ilustra la página de inicio y la agenda de conciertos pensaríamos que su carrera ha llegado a su punto final. En cualquier caso, los tres temas que se han colado en el dichoso soundtrack son 'Never Shut Up' y 'Strike 3', pertenecientes a su última entrega discográfica, y 'Lifetime Problems', una versión de The Dicks que ya aparecía en su debut 'Eat Shit'. Cabe comentar que The Dicks fue una banda de punk rock nacida en Austin en el año 1977 de abierta orientación gay.
Y centrándonos en la película, anunciada como 'la primera slasher-movie gay de la historia', 'Hellbent' es sólo un título más en la larga tradición de sagas tan conocidas como 'Viernes 13', 'Scream' o 'Halloween' (por algo su co-creador, Joseph Wolf, es el responsable de esta última serie, y de la de Freddy Krueger), es decir, jovencitos acosados por un psicópata sanguinario que los hará picadillo, uno tras otro, de la forma más imaginativa -y brutal- posible. La única novedad de la cinta es que todos los protagonistas, y el marco en el que se desarrolla (el Carnaval de Halloween que se celebra en West Hollywood), son 100% gay. El resto, de lo más previsible: pinceladas de humor negro, referencias a los clásicos, falsos sustos, hemoglobina, coitus totalmente interruptus, y un psycho -en este caso, además homófobo- con la clase suficiente para no tener que recurrir al atletismo para dar caza a sus víctimas.
