Slayer nos vuelven a pasar por encima con su furia e intensidad con el que es ya su décimo disco de estudio. Los años pasan, las modas van y vienen, pero con ellos sabes que pocas cosas pueden cambiar. La malévola voz de Tom Araya, los espitosos mini-solos de King y Hanneman, la firme pegada de Dave Lombardo (de nuevo en filas),... No te empeñes en buscar indicios de evolución porque no los vas a encontrar. Como AC/DC, Motörhead y tantos otros, los fundadores del Slaytanic Wehrmacht permanecen anclados en su sonido, echando la vista atrás a su propia discografía para recuperar la inspiración y seguir ofreciendo más de lo mismo pero con distinto envoltorio. No siempre aciertan, por supuesto; ahí tenemos el caso de su anterior 'God Hate Us All' (2001), un disco en el que todavía me cuesta entrar, o del discreto 'Divine Intervention' (1994), uno de sus trabajos más flojos junto al seminal 'Hell Awaits' (1985).
Con 'Christ Illusion' recuperan el pulso de antaño, barajando elementos de los que, a mi parecer, son sus dos mejores obras tras los 80's: 'Seasons In The Abyss' (1990) y 'Diabolus In Musica' (1998). No hay más que escuchar el tema que sirve de apertura, 'Flesh Storm', para hallar ecos a esos dos monumentos salidos del Infierno. Inmediatez, brutalidad y velocidad; así se podría definir el 90% del álbum. La excepción lleva por título 'Eyes Of The Insane', un tema de corte ambiental del que se espera un videoclip. Espero que se atrevan con algo polémico, a la altura de la portada (ojo al detalle de la Madre Teresa de Calcuta).
¿Lo mejor? A mi gusto 'Jihad' (amigos, ¡os habéis cerrado las puertas en Oriente Medio!) y 'Cult', el corte que sirvió de presentación (salió a la venta el pasado 6 de junio) y clásico inmediato gracias a ese '6-6-6' del estribillo. De lo más oportuno en este año acabado en tan satánica cifra.TRACKLIST:
Flesh Storm / Catalyst / Eyes Of The Insane / Jihad / Skeleton Christ / Consfearacy / Black Serenade / Catatonic / Cult / Supremist
LINE UP:
Tom Araya: Voz y Bajo / Kerry King: Guitarra / Jeff Hanneman: Guitarra / Dave Lombardo: Batería
WEBSITE:
www.slayer.net
Misión casi imposible la de Queensrÿche para levantar el ánimo al respetable tras el vendaval causado por el de Detroit. Tras verles actuar durante los últimos años en un par de festivales, y a falta de poder comprobar su capacidad para desenvolverse en salas de mediano aforo, uno no puede por más que llegar a la conclusión de que el grupo de Seattle anda algo perdido en grandes recintos, sin su propio equipo de sonido y sin un equipo de luces decente que respalde la parte teatral de su propuesta. Un titánico y sacrificado Geoff Tate se echó el concierto sobre su lomo luchando en solitario (la apatía del resto de la banda dio vergüenza ajena) lo indecible por estar a la altura de su glorioso pasado en un set basado íntegramente por algunos fragmentos de las dos partes de ‘Operation: Mindcrime’. Y por si nos quedaba alguna duda, dejó claro que no hay color cuando se coloca algo tan vulgar e insustancial como ‘I´m American’ o ‘A Murderer?’ al lado de piezas imprescindibles como ‘Suite Sister Mary’ o ‘Eyes Of A Stranger’. Una pequeña gran decepción, exactamente igual que su nueva entrega discográfica.
Thunder lo tenían fácil, muy fácil. Jugaban en casa y ante un público que les adora desde el mismo momento en que editaron su debut ‘Backstreet Symphony’ hace ahora 16 años. Los británicos, conscientes de ello, y con un Danny Bowes pluscuamperfecto a la voz ya desde las primeras notas de la reciente ‘Loser’, nos noquearon con un ideal “best of” de su dilatada discografía, sin olvidar en ningún momento piezas más recientes como su último hit ‘I Love You More Than Rock And Roll’ o ‘You Can´t Keep A Good Man Down’. Por supuesto fueron piezas más añejas como ‘River Of Pain’ (uno de los grandes momentos del festival), ‘Higher Ground’ o la inefable ‘Dirty Love’ las que consiguieron levantar de forma unánime el ánimo de los allí presentes. El merecido triunfo de unos currantes del Rock And Roll.
No negaremos que el motivo principal de nuestro desplazamiento a las Islas Británicas no era otro que poder vivir en nuestras carnes el regreso a Europa de Journey tras 26 años de ausencia, un hecho que como buenos aficionados al Rock Melódico made in U.S.A. no podíamos permitirnos el lujo de pasar por alto. Calentando motores para lo que les espera este verano –están a punto de iniciar una mastodóntica gira por las américas junto a Def Leppard-, Neal Schon, Jonathan Cain, Ross Valory, Deen Castronovo, y el cantante Steve Augeri (quien de forma sorprendente, y alegando problemas en sus cuerdas vocales, abandonó el grupo a las pocas semanas, abriendo la puerta a un afortunado Jeff Scott Soto) aprovecharon su paso por el Monsters británico para demostrar el porqué no hay otra banda del género que les pueda toser. Pericia con sus instrumentos no les falta, pero sin duda su principal baza y ventaja sobre sus competidores es un repertorio intocable, el abecé del A.O.R.: ‘Separate Ways’, ‘Wheel In The Sky’, ‘Stone In Love’, ‘Faithfully’, ‘Open Arms’.... Reconocemos sin rubor que lloramos desconsoladamente durante ‘Don´t Stop Believin´’, el momento álgido del festival y los cuatro minutos más grandes que hemos podido presenciar nunca sobre un escenario a lo largo de más de dos décadas de asistir a conciertos. Por fin vimos en directo a Journey. Misión cumplida.
Seguramente es injusto, pero después de los intensos 60 minutos recién vividos, y con un montón de sensaciones experimentadas gracias a los de San Francisco, no pudimos poner todos nuestros sentidos en disfrutar del show del Alice Cooper más en forma de los últimos 20 años, el Alice de ‘Dirty Diamonds’, su más reciente y recomendable disco. El Alice –por cierto, impecable en todo momento a la voz-, en definitiva, que desgrana de manera más que solvente uno tras otro todos los infaltables de su repertorio, imprescindibles de la historia del Rock como ’I´m Eighteen’, ‘Under My Wheels’ o ‘No More Mr. Nice Guy’. Amén.
Para cerrar el festival, unos Deep Purple empeñados en recuperar el prestigio perdido en su país, colocaron la guinda de oro a una jornada más que memorable. Por fin tanto la prensa (aleluya!!!) como los seguidores británicos se han puesto de acuerdo en otorgar a Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover y compañía el crédito innegable que sus composiciones han tenido para la dirección y el desarrollo del la música Rock en general. Con la formación con Steve Morse a la guitarra y Don Airey al teclado ya funcionando a todo tren (podrían tocar con los ojos vendados y sonarían igual de compactos), y con un sonido que parecía emerger de un equipo de alta fidelidad, se dedicaron a dar al público lo que sin duda había venido a escuchar. Sonaron ‘Lazy’, ‘Space Truckin´’, ‘Pictures Of Home’ y ‘Fireball’. También lo hicieron ‘Highway Star’, ‘Black Night’ y por supuesto, ‘Smoke On The Water’. Un show predecible, dirigido a su público menos exigente, aunque no por ello menos válido que otros conciertos más arriesgados que les hemos visto hacer en varias ocasiones. Una lección maestra de Classic Rock de la mano de uno de sus máximos exponentes, por mucho que se empeñe el descalzo y cada día más canoso y gruñón vocalista inglés en repetir que ellos no pertenecen a esa escena.
El caso es que, a pesar de la exploración musical que han llevado a cabo Sol Lagarto en 'Mundo Circo', los neófitos ven a los catalanes como a una banda muy influenciada por M-Clan. Y no hablo por hablar, me limito a exponer las opiniones de mis compañeros de oficina. Aunque parte de razón no les falta, seré franco. Sólo hay que prestar atención a temas como 'Palabras Invisibles', 'La Ciudad del Miedo', 'En la Radio' o 'Qué Más Da' -curiosamente, los cortes menos atractivos del disco- para darse cuenta que la labor de Tarque y compañía ha marcado sobremanera a los Lagartos a la hora de componer (aunque sea de forma inconsciente). De cualquier forma, el disco está gustando bastante en mi lugar de trabajo, y no han sido pocos los que, en los últimos días, me han solicitado que lo pinche una y otra vez (sí, amigos, tengo la suerte de poder poner música en la oficina).
Admito que las primeras escuchas de 'Mundo Circo' me dejaron bastante frío. No sé si es por el golpe de timón que le han dado a su sonido en algunos temas, pero a nivel general me pareció un disco poco rockero, mucho más orientado al pop. Reconozco que me equivoqué, o, como mínimo, ahora mismo no lo siento así. Ha habido un cambio de orientación, de eso no hay duda; no sabría definir exactamente en términos de qué, pero algo ha mutado en su propuesta. Un cambio que ya se intuía en su anterior 'Cálido', donde revisitaban temas de su repertorio, reformateándolos, explorando nuevos sonidos. Tal vez menos directos, con unos textos más intimistas, más influidos por corrientes ajenas al rock'n'roll,... Llámémosle madurez, redefinición de ideas, evolución, qué sé yo. El caso es que, una vez se vencen los prejuicios personales y se supera la dificultad que siempre entraña el enfrentarse a nuevas canciones, las piezas que reúne este 'Mundo Circo' me parecen de un nivel notable. Es más, algunos cortes en especial me parecen sobresalientes. Temas como la inicial 'El Circo', las accesibles -pero no por ello menos buenas- 'Vampiros' y 'Muñecas Rotas', las emotivas 'Sigo Aquí' y 'Hoy Puede Ser' (si nada se mueve en tu interior al oirlas es que estás muerto), o la bluesera -valga la redundancia- 'Ahí Vuela Un Blues' son para quitarse el sombrero. Aunque a mi gusto el cum laude corresponde a 'Desnuda Al Sol', uno de los temas del año, sin discusión posible. Chapeau, Lagartos.
Son tres, son rubios, y, a diferencia de los ídolos de quinceañeras, sólo dos de ellos son hermanos; sin embargo, no dejes que la pinta de surfistas que gastan estos pipiolos te engañe. Sí, parecen sacados del film 'Los Amos de Dogtown', su imagen no desentonaría en MTV, pero a la que encienden los amplificadores y hacen vibrar sus instrumentos todos esos prejuicios se vienen abajo. Quienes ya los vieron en el pasado Azkena Rock Festival llevan tiempo atestiguándolo; ahora nos correspondía certificarlo a todos aquéllos (no más de un centenar) que en su momento no pudimos ir a Vitoria. Y qué puedo decir... el power trío superó cualquier expectativa, noquándonos a la primera de cambio.
Meses atrás, cuando se dieron a conocer a través del Popu, me hice con una copia de su 'Live at Fox Theatre', y la verdad es que no me parecieron gran cosa (reconozco que no le di muchas oportunidades), pero unos días antes de su paso por Barcelona cayó en mis manos una demo de lo que va a ser su próximo disco, y ahí sí me convencieron. Aunque, de no haber sido así, ya no había vuelta atrás: compré mi entrada en cuanto se pusieron a la venta (es más, soy el poseedor del ticket número 001). Con tan poco margen de tiempo apenas pude memorizar un par de temas, pero, aunque hubiese pasado por la sala totalmente 'virgen', eso no hubiese supuesto ningún inconveniente. Es increible su capacidad para absorber tu atención desde el primer tema. Un muro de sonido atronador, una puesta en escena de lo más sencilla, y un despliegue de fuerza y técnica como hacía tiempo no presenciaba. No necesitan nada más. Amplis a volumen brutal y dosis de energía para parar a Juggernaut. Equiparable a lo que hacen Mother Superior si no fuese porque los de Jim Wilson poseen, a mi gusto, un repertorio mucho más sólido.
En cualquier caso, a la ya asfixiante sala KGB le subieron un par de grados de temperatura en cuanto pusieron los pies sobre las tablas. Y con el primer tema ya nos tenían a todos convencidos de lo buenos que son. Tal vez el miembro que destaca por encima del resto sea Daniel, el guitarrista, pero, a la que iniciaban un pasaje instrumental, no sabías bien a quien seguir con la mirada, si a uno o a otro. El nivel de compenetración es abrumador, realmente hipnotizan, y la sensación que desprenden es la de estar pasando el mejor rato de sus vidas. A pesar del calor tocaron más de noventa minutos, y por petición de los allí congregados volvieron a ocupar sus plazas en un par de ocasiones tras abandonar el escenario, algo que pocas bandas se prestan a hacer últimamente. El repertorio, como ya he dicho, no lo conocía como debía, pero reconocí 'Off The Games', las demoledoras 'Cool Cody' y 'The Guru', 'Showdown', y un par de covers de Led Zeppelin de las que quitan el hipo ('Immigrant Song' y una extensa 'Dazed And Confused' de más de quince minutos). En resumidas cuentas, una noche mágica.
Y bien, llega el momento de centrarse en el disco, ¿no? Vamos allá, pues. 'Rise' se inicia de forma muy poderosa con 'Under the Sky', estupendo tema de apertura, para seguir con 'Never Too Late', un corte que, sí señor, empieza con dos cojones, es decir, ¡¡con un solo de guitarra!!. Sólido hard rock setentero, con un estribillo infeccioso y un nuevo solo vertiginoso a cargo de Paul Mahon que hace mucha, mucha pupita. El tercer tema, 'Come Follow Me', es otro golpe bajo de pegadizo estribillo, con un Cormac Neeson cuya voz me recuerda por momentos a la de Marc Storace (Krokus) y una guitarra que echa humo. Aaaagh, esto quema, tíos. Podría seguir hasta el final, pero para qué entreteneros más. Acudid a su website y en la pestaña 'Music' podréis escuchar todas y cada una de las canciones que han editado estos mozalbetes (incluso las que aparecen en su EP 'Keep Believin'' (2005) y todos sus singles), además de poder descargaros libremente unos cuantos temas inéditos.
Prescindiendo de los temas de su debut 'Beyond The End Of The World', el repertorio se centró básicamente en su segundo y reciente disco, 'Transitions', y en unas cuantas versiones ajenas; más que nada para ofrecer algo de material conocido -aunque dudo mucho que el grueso de los allí congregados estuviese familiarizado con el 'Eyes of the Stranger' de Queensrÿche o el 'As I Am' de Dream Theater, piezas incluidas en un extenso medley junto a versiones de Metallica y U2-. En cualquier caso, conociéndolos o no, no cabe duda que el público cayó rendido al buen hacer de Sacred sobre el escenario. Completado el set-list con una versión del 'You Could Be Mine' de Guns N'Roses, el puñado de copias de avance de 'Transitions' que llevaban encima voló de sus manos en cuestión de minutos.
No es para menos. Un repaso a 'Transitions' pone las cosas en su justo lugar. Estamos ante un disco que no requiere de muchas escuchas para apreciar todo lo bueno que contiene. Es más, es una obra que posee todo lo que se le puede exigir a una colección de temas impecables: excelentes melodías, soberbia ejecución, una voz personal, y un sonido que te vuela la cabeza. Y como muestra, un botón. 'Your Misery', el corte que abre el disco, condensa lo dicho en un tema directo y conciso. 'Somebody's Shaking' resulta algo más melódico, pero no carece de fuerza en absoluto. Por ejemplo, la parte central a cargo de la guitarra es de las que ponen los pelos de punta, a la altura de lo que viene a continuación, 'Building a New ID', el corte que debería abrirles todas las puertas; un puñetazo en la cara con una base rítmica que me devuelve a la memoria la contundencia seca y áspera de unos Prong. Y el estribillo... dios, qué estribillo. Pura magia. A continuación, 'November Days' deja entrever el peso de Dream Theater en las influencias de la banda; desde la voz de Uri al ritmo sincopado de la batería, o la propia estructura de la pieza. Siete minutos de exquisitez sólo aptos para paladares instruidos. Con 'Innermost Thoughts' el ritmo se acelera un poco, para volver a frenarse en el sexto corte, 'Missing You', un medio tiempo con un buenísimo solo a las seis cuerdas y rematado por un teclado. 'We Are One' es otra pieza extensa -de nuevo siete minutos-, en la que todas las partes encajan de forma milimétrica, sin que sobre ni se eche en falta nada. Mención especial al elaborado trabajo de guitarras. En 'Have No Fear' el cuidado estribillo y las guitarras con sabor funky dan empaque a un tema no del todo afortunado a causa de un final un tanto desangelado; idéntica sensación que se reproduce en el penúltimo tema, 'Symmetrical', una canción enérgica pero de acabado discreto, que sirve de antesala a la grand finale: 'The Closer Ending', un nuevo encuentro con la cifra mágica -otra vez siete minutos-, que se revela como una composición capaz de saciar las apetencias de auténticos connoisseurs del metal progresivo (vaya, ya sabía yo que tanto leer los textos de Alberto Díaz no podía traer nada bueno -es broma-).
En definitiva, a pesar de ciertos altibajos, 'Transitions' es un disco de una solidez por encima de la media, con un sonido sin fisuras y una ejecución compacta como un ladrillo. Y lo más importante, cargado de temas ágiles, de factura elegante y cuidados arreglos. Un muy buen disco, sí señor.
Con semejante background de experiencias y emociones ligadas a la banda es lógico pensar que, personalmente, las expectativas suscitadas por la visita de Alicia estaban por las nubes. Un par de días antes, en casa, la melodía de 'Down in the Hole' me arrancaba un puñado de lágrimas. No ha sido la primera vez. Por motivos sentimentales, enfrentarme a según qué temas de Cantrell & Co. puede convertir un día en horas bajas en un calvario de tristeza y melancolía. Una experiencia dura que, en un alarde de masoquismo, estaba dispuesto a poner a prueba rodeado de público. Porque, si en la intimidad del hogar semejante canción es capaz de provocar este tipo de reacción, en la comunión del directo los sentimientos a flor de piel prometían petrificarme el alma. No fue así. No quedé del todo decepcionado, pero me faltó ese ingrediente especial que lo hubiese hecho único. Es como cuando vas al cine a ver una comedia y abandonas la sala sin haber esbozado siquiera una sonrisa. Con Alice In Chains iba predispuesto a pasarlo mal, a vaciarme; y no fue así.
El principio ya resultó algo desconcertante. Cuando las primeras notas de 'Sludge Factory' salieron de los amplificadores no pude más que pensar en lo desacertado de la elección (que nadie se confunda, me parece un grandísimo tema, pero no lo considero apto para iniciar un show). Luego estaba la actitud de William DuVall, demasiado rock'n'roll party a mi parecer. Ya sé que hubiese sido ridículo habernos topado con un clon de su antecesor, pero el frontman de Comes With The Fall quebró, en parte, el espíritu introspectivo de la música de sus anfitriones. En cualquier caso, nada que objetar a su forma de encarar los temas; el parecido, sin caer en el calco, resultó bastante ajustado y fiel. En cuanto al repertorio, pocas pegas. 'Damm than River', 'Rain When I Die', 'We Die Young', 'Man in the Box', 'No Excuses', 'Them Bones', 'Rooster', 'Down in a Hole', Would',... Con semejante selección de clásicos hasta la peor banda tributo hubiese cosechado aplausos. Sin embargo, considero que desaprovecharon algunos momentos para introducir dosis extra de magia (juraría que fue 'Rooster' el tema que dejaron colgado en mitad de un desarrollo instrumental completamente inédito), además de echarse en falta un mini-set acústico. Eso hubiese redondeado una velada memorable.
Tal como está el actual panorama hardrockero lo cierto es que no las tenían todas consigo -¿cuánto tiempo llevan diciendo Cinderella que están en el estudio?-, pero el momento llegó este pasado abril, concretamente el día 18, con la edición de 'And Then It Got Ugly'. Y la verdad es que el resultado final no está nada, nada mal. Fieles a su amor por AC/DC, los once nuevos temas que lo componen (diez si tenemos en cuenta que el corte final, 'I Was Told', es una versión alternativa de una pieza ya incluida en su anterior 'Pain') vuelven a tomar como base el sonido que hizo grandes a los australianos, salpicando de electricidad todas y cada una de las notas, con una base rítmica que invita a que te agites sin control, y aportando alguna que otra pincelada sureña ('Monkey Boy Highway' -harmónica incluida- así lo demuestra). Resulta difícil escoger un tema por encima de otro; el nivel que han alcanzado es tan alto que supera sin dificultad cualquier cosa que hayan grabado con anterioridad. Sí, son unos copiones, no tienen apenas personalidad, pero si Supagroup entregaron uno de los discos del año la pasada temporada reciclando un puñado de riffs clásicos, porqué van a ser menos Rhino Bucket. Ah, y en directo se comenta que son una auténtica bomba incendiaria. Ojalá nos visiten algún día.
La primera impresión al ver la portada fue favorable. Ese color amarillo, esos muñecotes tan simpáticos,... no sabría especificarlo, pero algo me decía que este disco iba a ser divertido. Dicho y hecho, la primera escucha confirmó mis impresiones; este 'Rockford' es la banda sonora perfecta para este verano que ya se nos echa al cuello. Refrescante y vitalizante como un batido, es, además, infeccioso como el peor de los hits estivales y adictivo como la contemplación de guayabas en bikini. Toda una celebración del easy living y el party all night long, vamos.
Para quien no se haya enterado, Roadstar es ahora lo que antes se conocía como Hurricane Party, y si todavía no conoces su EP de debut 'Get This' (2004) que sepas que te estás perdiendo algo realmente sólido. Su carta de presentación contaba solamente con cinco temas, pero menudos cincos temas, señores. Hard Rock con mayúsculas, anclado en los 70s y 80s, y mostrando unas influencias (Led Zep, The Cult, Aerosmith y AC/DC) que no deberían suponer inconveniente alguno si de verdad te gustan estas bandas.
Descubiertos y apadrinados por el mecenas John Kalodner, los dos años que han invertido en registrar su primer disco obedecen a las expectativas que en ellos se han depositado. Y, a mi parecer, se han cubierto a medias, quedándose un par de puntos por debajo del sobresaliente. Tal vez les coloqué el listón demasiado elevado, pero me esperaba algo más shocking. En cualquier caso, no hay lugar para la decepción una vez se escucha 'Grand Hotel' (2006). Quizá la disposición de los temas no sea la más acertada, pero highlights como 'Ready To Go', 'Roadstar' (único tema rescatado de su EP), 'Stone', 'Liar' o 'Keep It Alive', como mínimo, te harán olvidar ese detalle. No pasaré por alto piezas como la radiable 'Get This', las baladas 'Out Of The Blue' y 'Misplaced Paradise' (en cuarta y octava posición, respectivamente, y que suponen un lastre en el ritmo del disco) o un par de medios tiempos con reminiscencias a Black Crowes ('Let’s Get It Started' y 'Stolen My Pride'). Tampoco puedo obviar 'Magic Hat', con su intro atmosférica a lo Aerosmith, y 'All I Want', que cuenta con un estribillo que es puro KISS 80's.
Y lo primero que se ha instalado en mi lector tras ese largo silencio ha sido el segundo disco de los suecos Babylon Bombs, 'Doin You Nasty', una nueva remesa de canciones que los devuelve en excelente estado de forma tras su memorable debut 'Cracked Wide Open And Bruised'. Si éste en su momento me dejó un buenísimo sabor de boca, con su más reciente entrega vuelven a dar en el clavo. Su sleazy cargado de guitarras, sus reminiscencias al hard-rock de corte clásico, y su facilidad para escribir estribillos y melodías tarareables les convierten, a mi parecer, en una de las mejores bandas escandinavas del momento. Y quien dice escandinavas, dice mundiales, porque hay que ver el nivelazo que tienen por aquellos lares.
Co-producido por la propia banda, 'Doin' You Nasty' presenta doce temas de los que resulta difícil seleccionar un par de highlights. Y no por carencia, no; más bien todo lo contrario. La sensación de estar ante una recopilación de hit singles te asaltará a la que llegues al ecuador del repertorio. Seis composiciones perfectas, una detrás de otra. ¿O algo se puede reprochar a temas tan redondos como 'Jaded Heart', 'Crack Of Dawn' o la power-ballad 'Slip Away'? Por no hablar de 'Louder', 'Hometown Hero' o esa bomba de relojería llamada 'Let It Loose'. Y lo que viene a continuación tampoco se queda atrás. Temazos con el gancho de 'Drop The Bomb', ' White Trash Beauty' o 'Moonshine Beat' te aseguro que va a ser difícil encontrarlos este año en otras bandas. Píldoras hipercalóricas ideales para poner banda sonora a las fiestas más destroyers. Y si en su primer trabajo encontrábamos una pieza del calibre de 'Crucified', en éste nos topamos con 'Proud', una nueva muestra de orfebrería china que, si hubiese justicia en el mundo, tendría ganado un lugar en la historia. Yo, mucho más modesto, ya le he asignado un espacio en mi corazón.
Después de aquéllo pasaron muchas cosas. Cuatro discos de estudio para la leyenda, un concierto (el histórico show en la Vall d'Hebrón) de los más lamentables vividos en la Ciudad Condal, los proyectos paralelos de Phil Anselmo, los inevitables rumores de separación, y, finalmente, la brutal tragedia acontecida en Ohio. Sin Dimebag en la tripulación es prácticamente imposible que el barco vuelva a zarpar de nuevo -a su hermano Vinnie no creo que le haga mucha gracia intentar resucitar a la banda; por no hablar de la tensa relación que mantiene con el vocalista de Superjoint Ritual-, pero a saber qué nos depara el futuro. En cualquier caso, para mantener la memoria de Dimebag Darrell nos quedan las discografías de Pantera y Damageplan, y, ahora, un nuevo lanzamiento que no hace sino engrandecer aún más si cabe el mito.
Registrado entre 1999 y 2003, y editado por la compañía discográfica de Vinnie Paul, Big Vin Records, 'Rebel Meets Rebel' reúne a los Cowboys From Hell (CFH: los hermanos Abbott y Rex Brown) y al cantante de country David Allan Coe (D.A.C.), una figura controvertida dentro de su propia escena tanto por su peculiar look como por su actitud totalmente killer.Al parecer el bueno de David es un auténtico outsider, un tipo duro con más de un punto en común con el rock -su gusto por las motos, los tattoos y el pelo largo así lo constatan- y una carrera delictiva que, según cuenta su hoja promocional, lo llevó al Corredor de la Muerte. Cierto o no, lo único que importa es el material que grabaron, una colección de doce temas a medio camino entre el metal más agresivo y el country más descarnado. ¿Es eso posible? Yo mismo no lo veía muy claro cuando me enteré de la existencia de este proyecto, pero, una vez superado el shock inicial que supone encontrarte con una voz de las características de Allan Coe en un entramado de guitarras afiladas y base rítmica percutante, todo se ve de forma muy natural.
Ignoro si tan peculiar country-metal abrirá nuevas vías a explorar para otras bandas, pero lo que sí es seguro es que R.B.R. ofrece un combinado totalmente novedoso. Y poderoso, no lo olvidemos; porque cortes como el inicial 'Nothin' To Lose' (tremendísimo riff que me devuelve a los tiempos de 'Cowboys From Hell'), el furioso 'Get Outta My Life' (con la colaboración estelar del siempre soberbio Sebastian Bach), o los trepidantes 'Time' y 'No Compromise' son, desde este mismo momento, de los mejores temas metálicos del año. Por no hablar de composiciones más hard-rockeras, como el vacilón tema que da título al álbum y al proyecto (con violín y hammond incluidos), o esa declaración de principios que lleva por nombre 'Cowboys Do More Dope' (than rock'n'rollers). Y, sí, también encontramos grandes momentos de inspiración a las seis cuerdas; desde la pequeña pieza acústica que sirve de introducción a 'Heart Worn Highway' hasta aplastantes solos como el de 'Cowboys Do More...' o 'No Compromise' (donde Dimebag consigue hacer aullar su guitarra de forma inimaginable). Podría soltar una larga lista de adjetivos para calificar este disco, pero sólo me serviré de uno: imprescindible.
Y para los fans más forofos, ya está a la venta un DVD, 'Dimevision Vol 1: That's The Fun I Have', un tributo a la figura del inolvidable guitarrista que recoge imágenes -muchas de ellas inéditas- tanto de dentro como de fuera del escenario, recordando su vida desde los 18 años hasta sus últimos días.
A grandes rasgos éste fue el set-list que sonó esa noche: 'Pussy Time', 'High As Hell', 'The Bitch Just Kicked Me Out', 'Come On Come On', 'Gonna Hitchhike Down To Cincinnati And Kick The Shit Outta Your Drunk Daddy', 'Struttin' Cock', 'Piece Of Ass', 'Go Motherfucker Go', 'I'm The Man', 'Rock'n'Roll Outlaw', 'Hell Ain't What It Used To Be', 'She's Got The Drugs', 'Keep On Fuckin'', 'First I Look At The Purse', 'Eat My Dust', 'Nutbush City Limits' y alguna más que se me queda en el tintero.
Si conoces mínimamente el repertorio de Nashville Pussy te habrá bastado para hacerte una idea de lo que allí acontenció. ¿Que no lo conoces todavía? Mal hecho. Que sepas que el Chochito de Nashville está tan bien lubricado como el más preciso de los engranajes, con lo que, una vez accionado el mecanismo, la maquinaria no se detiene ante nada ni nadie. A fin de cuentas, ¿qué puede fallar con este repertorio? Hombre, teniendo en cuenta que un directo es algo de lo más impredecebile, diré que muchas cosas, pero no fue el caso. Ni los contínuos problemas con los micros -que obligaron a realizar una larga pausa-, ni el olor nauseabundo y los empujones que soltaba un grupo de punks -que no sé qué cojones pintaban allí- hicieron mella.
Por poner sólo una pega diría que, gustándome guardar instantáneas de todos aquellos bolos a los que asisto, en esta ocasión la tarea resultó un tanto frustrante. Si me colocaba lejos del escenario, la falta de luz y la distancia se dejaban notar; si me acercaba demasiado, los contínuos empujones desestabilizaban el enfoque y el encuadre. Por no hablar de los pestilentes moshers que cada dos por tres invadían el escenario. Al final, como medida salomónica, y viendo que no era posible fotografiar en condiciones a los Pussy, me centré en las tetas de Ruyter. ¿Hice mal? ¿Hice bien? ¿Soy un amoral? No lo sé, pero seguro que el sector masculino me lo agradece, ¿no es verdad?
Si algún día deciden cambiarse de nombre, ¿por qué no Nashville Tits?
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